Allá por finales de los 90 hago una pequeña pieza de Net.art de cuya url no quiero acordarme que se llama Taburete. Era el nombre perfecto, un verdadero seudónimo con el que ocultaba mi identidad real e incluso negaba la posibilidad de que hubiese una persona detrás. Ni épica, ni magia, ni glamour, para experimentar con la creación en Internet.

Eran otros tiempos. Por entonces nacían proyectos como ZEMOS98 y del Net.art en España se habíanvisto muy pocas cosas. Ahora me viene a la mente un gif animado con una fotografía de una chica desnuda en blanco y negro con mucho ruido sobre la que aparecía intermitentemente una naranja cortada. Dadaísmo en estado puro!

Pasaron los años y llegó el fenómeno blog. Identidades virtuales para jugar a ser alguien y con un espacio propio y gratuito para comunicar cualquier chorrada. No había objetivos, no había personal branding, las categorías crecían como setas y los más pros tuneaban con colores estridentes sus bitácoras. Así aprendimos lo que era CSS.

Después de varias colaboraciones, en 2007 Felipe me invita a tener mi blog en ZEMOS98. Taburete se convierte en un espacio y Marcos G. Piñeiro en blogger. Éste es el gran cambio. Para sorpresa de todos lo virtual se funde con lo real. Ambas esferas dejan de tener sentido (si alguna vez lo tuvieron).

En un excelente artículo Julio Meneses Naranjo explica como la oposición entre lo virtual y lo real que planteaban autoras como Sherry Turkle (La vida en la pantalla, 1997) son contraproducentes para explicar la construcción de la identidad en Internet. Nos creímos la ilusión de lo online de tal manera que a todo lo demás le llamamos offline.

Y ahora llegan las redes sociales y con ellas las identidades de DNI. Ser reconocibles es uno de los objetivos y los seudónimos se convierten en piezas de museo, en cosas raras. Aunque aquí los utilizamos, los usernames anónimos en Twitter o Facebook son identidades en extinción, como un niño llamado Manolo, Hermenegildo o Fulgencio en el nuevo milenio.

Ha pasado algún tiempo. Muy poco, pero el suficiente para que de la paranoia del gran hermano, hayamos pasado a mostrarnos con luces de neón. Ahora que los jefes ven las fotos de facebook y 7 de cada 10 usamos Twitter para fines profesionales da la impresión de que todos, cada vez más, tenemos un palo metido por el culo. Y sí, el networking tiene su punto, pero a veces, echo de menos al Taburete original, su inocencia y sus ganas de jugar con el medio…

Si te gusta la fotografía, Flickr te propone una interesante forma de convertirte en comisario de exposiciones (curator) online. Ahora puedes seleccionar obras de otros usuarios en función de la temática o el estilo que se te ocurra. Una nueva funcionalidad ideal para los que nos gustan más las fotos de los otros…

Si hay una plataforma que se ha consagrado como la líder en la publicación de fotos de los usuarios es Flickr. En los últimos tiempos, además, han añadido funcionalidades que permiten que los egos de los diferentes artistas convivan en una completa armonía 2.0

La verdad es que en este portal encontramos verdaderas maravillas y ya es hora de que se reivindique el lugar que tiene en el arte todo lo que está online. Aquello que se ha llamado Net.Art y que, a día de hoy, se encuentra disperso en una serie de actitudes que, quizás por su falta de elitismo, no tienen el reconocimiento que se merece en el circuito del arte institucionalizado. Algo que pasaba con el Graffiti y que ahora incorporan los más afamados museos y galerías ¿Veremos algún día Expos de Flickr en galerías de arte?

Para abrir boca, y nunca mejor dicho, os pongo unas imágenes de una expo sobre comida…

>> Tienes más información en la página de ayuda de Flickr.

El número de Dunbar es una teoría que dice que el ser humano puede establecer relaciones estables con un máximo de 150 personas. En esta teoría se apoyan numerosos estudios que tratan de analizar la revolución de las redes sociales en Internet. Ya que, curiosamente, pocas veces se cuestiona esta teoría, este artículo es un análisis crítico de los pilares en los que se sostiene este curioso número.

Probablemente el gran éxito de la teoría del número de Dunbar es haber dado una respuesta extremadamente simple a un problema extremadamente complejo.

En pleno auge de las redes sociales en Internet encontrarse una teoría que pone un número (150) a las relaciones sociales que físicamente podemos soportar, es un argumento demasiado tentador para todo aquellos que sospechan que no es posible tener tantos amigos como, según Facebook, tienen algunos.

Sin intentar dar una respuesta a este problema, creo que antes de dar crédito a una teoría como ésta, debemos saber de qué cuentas sale tan magnífico total.

¿EL TAMAÑO IMPORTA?

Según la Wikipedia la teoría del número de Dunbar parte de la base de que el tamaño del neocórtex determina la magnitud de nuestras relaciones sociales. Esta premisa se basa en que el aumento de esta parte del cerebro, cuando pasamos de simios a humanos, tiene relación con la capacidad de éste para aumentar los vínculos sociales.

Como no soy biólogo y no tengo ni idea de evolución partiré de que esta premisa puede ser válida, pero hasta cierto punto. Si bien está claro que hay determinados cambios fisiológicos que dan lugar a cambios socioculturales siempre es muy complicado encontrar relaciones de causa-efecto directas y, mucho más, asegurar que eso del tamaño importa. Recuerda a aquellas teorías que pensaban que los sabios tendrían los cerebros más grandes o que la gente corpulenta es más criminal…

UNA REGLA DE TRES

Si sabemos el tamaño del neocórtex de los simios, el número de relaciones sociales que estos suelen mantener y el tamaño del neocórtex humano, Robin Dunbar cree que el número de relaciones que las personas podemos mantener se despeja como una incógnita X. Pudiendo establecerse un paralelismo matemático entre los simios y nosotros.

Pues bien, según Dunbar: X=150

ERRORES EPISTEMOLÓGICOS ELEMENTALES

Como es obvio que esta lógica cae por su propio peso, el propio Dunbar argumenta esta teoría en base a otras fuentes secundarias. Citando a la Wikipedia:

Dunbar comparó esta predicción con grupos observables de humanos. Comenzando con la asunción de que la neocorteza humana se desarrolló hace alrededor de 250.000 años, buscó dentro de la literatura antropológica y etnográfica para realizar una especie de censo sobre tamaños de grupos sociales en las sociedades nómadas. Dunbar notó que los grupos caían dentro de tres categorías, de 30-50, 100-200, y 500-2500 individuos.

Pues bien, en esta serie de argumentaciones se cometen errores como los siguientes:

1. No tiene sentido remontarse 250.000 años para estudiar un neocórtex que seguimos teniendo en la actualidad.

2. Por muy nómadas que sean, no se pueden extrapolar directamente evidencias de sociedades contemporáneas a sociedades históricas.

3. Puede ser un error tomar como fuentes secundarias documentos antropológicos. Si el etnólogo está estudiando un aspecto de una sociedad, es difícil tener en cuenta otros temas que se refieren a objetos de estudio diferentes.

4. Es complicado establecer relaciones entre el número total de componentes de una tribu y las relaciones estables que mantienen los individuos entre ellos, así como la tipología de estas relaciones.

5. Según estos datos lo que se muestra es una tremenda y lógica heterogeneidad. Por lo que tampoco se sostiene el mitificado 150.

NO SE TRATA DE UN CIENTÍFICO SOCIAL

Si a alguien compete el estudio de las relaciones sociales es a los sociólogos, antropólogos socioculturales, psicólogos sociales, psicólogos, educadores, trabajadores sociales, etc.

Pero Robin Dunbar no forma parte de ninguno de estos grupos y su peso en estas disciplinas es, “hasta donde me alcanza”, nulo.

Aunque se le cita como antropólogo, lo cierto es que puede dar lugar a equívoco no apellidar esta discipline. Por lo que veo en la Wikipedia se trata de biólogo evolucionista que es director del “Institute of Cognitive and Evolutionary Anthropology” de la Universidad de Oxford.

La práctica de la Antropología Social está muy alejada de la de la física y, más detalladamente, la propia Antropología Biológica está tan ligada conceptualmente a la biología como la sociología puede estarlo con la Antropología Social.

Con estos datos creo que se puede afirmar que no estamos hablando de un científico social, sino de un biólogo que, como se indica, está especializado en primates.

Es más, los errores anteriormente citados son bastante frecuentes cuando este tipo de perfiles profesionales estudian lo social.

UNA PREGUNTA CON TRAMPA

Muchas veces más importantes que las respuestas, son las preguntas. En este sentido, aunque no soy un especialista en este tema, considero que tratar de ponerle un número al número total de relaciones sociales es un error en sí mismo.

Cualquier estudio básico de redes, evidencia la disparidad de relación entre diferentes nodos. Por lo tanto considero más útil analizar la cualidad de las relaciones, aunque después se cuantifiquen. Es decir, del tipo de relaciones que mantengamos dependerá en gran medida el número que tengamos de cada una.

Y, como todo en el ser humano, cada persona es un mundo. Por eso aunque tengamos neocórtex similares tendremos relaciones muy dispares. Tranquilos, el tamaño no importa

En Internet la patrimonialización ya no está en manos exlusivamente de las instituciones, los usuarios de herramientas como la Wikipedia, Flickr, Youtube o Panoramio ponemos todos los días en valor incontables activos culturales y naturales. Un nuevo orden de cosas que bien merece un nombre…

Podemos entender como patrimonialización tanto la restauración de una catedral como su señalización. Incluso el simple gesto de extender el dedo índice hacia unas gárgolas para que nuestro acompañante se fije, también lo es.

El patrimonio es algo arbitrario, se trata de una convención social. De ahí que podamos patrimonializar algo que, hasta un momento dado, no es considerado como tal. Por lo tanto cobra sentido en su carácter dinámico. Es decir, cuando decidimos qué es y qué no es patrimonio.

Como indica Llorenç Prats(1):

Para llegar a ser patrimonio, los bienes culturales deben ser seleccionados en relación con alguna forma de interpretar y representar una determinada identidad y deben ser activados desde alguna instancia de poder.

Como sabemos, Internet ha convertido al usuario en el rey de las comunicaciones. En un tema tan relevante como el patrimonio cultural estamos acostumbrados a que sean las instituciones públicas las encargadas de tutelar este proceso. Pero las nuevas dinámicas bautizadas como 2.0, en las que todos somos los creadores de contenidos, dan lugar a nuevos procesos de patrimonialización y puesta en valor de activos.

Patrimonio es la Catedral de Santiago y también algo tan efímero como una puesta de sol, algo tan natural como un glaciar, o algo tan inmaterial como un sonido. En este mismo caso, pongo links a la Wikipedia, Flickr, Panoramio y Escoitar.org para ampliar esta información. Y es que estas herramientas son potenciales creadoras de patrimonio y logran que cualquier persona pueda poner en valor cualquier aspecto de un territorio que considere relevante.

La capacidad de estas herramientas para llegar al gran público es generalmente mayor que la de webs institucionales. Aunque es importante que se distingan las comunicaciones oficiales en estos temas. La institución, como marca o identidad digital, debería ir más allá de su propio sitio para conversar a través de redes sociales y portales 2.0 como los citados, porque ahí es donde están los interesados.

Si el turismo 2.0 ya es una realidad y es la base del éxito de infinitos proyectos de Internet, recientes colaboraciones del Museo del Prado o La Biblioteca Nacional con Google Earth y Google Books, son una muestra de una nueva tendencia en el sector cultural. Aunque es sólo un inicio, apoyarse en plataformas comunes es el mejor camino para lograr una buena presencia en la red. Por supuesto, no debemos olvidar que, aunque los usuarios pueden valorizar el patrimonio (y esto es algo extraordinario), son las instituciones públicas las responsables de hacerlo o apoyarlo.

Ver Patrimonio cultural de Vigo en un mapa más grande

Sobre estas líneas un extraordinario ejemplo de un mapa virtual de patrimonio creado por Xosé Counhago mediante Google Maps.

(1) Prats, Llorenç (1997) Antropología y Patrimonio, Barcelona, Ariel.

La definición de cultura que dan los antropólogos es que la cultura es todo, dice el avezado profesor de un máster de gestión cultural. Repite hasta la saciedad la simple idea para descartar la visión antropológica de su raquítica tesis.

La cultura es todo aquello que un grupo de personas defina como cultura. Es un concepto social. Una convención, en definitiva.

La cultura es un conjunto de valores, creencias, etc. etc. compartidas.

La antropología es una ciencia que estudia las comunidades, las culturas. Como toda ciencia nace en occidente con una misión, visión y valores, con una cultura, en definitiva.

La antropología es la cultura de los que estudian culturas, diría un relativista al cuadrado.

Y lo cierto es que todo, la cultura, la política, el género, son construcciones sociales, conceptos que sirven para explicarnos a nosotros mismos (y a los que comparten nuestra cultura) cómo se produce la interacción social.

El funcionalismo explica la cultura en función de su función, valga la tautológica redundancia. De ahí que la cultura lo sea todo. Porque sólo el todo lo explica todo.

La cultura deriva de los medios de producción. La cultura es lo que nos incoropora a una jerarquía. La cultura es habitus…

Discutir sobre conceptos tiene estas consecuencias. No se llega a nada. Discutir sobre el significado de las palabras consiste en extraerlas de su contexto, de la interacción, del uso. Vaciarlas, congelarlas, extirparlas para después recordarlas y escribir nuestra ilusión, nuestra idea.

En la práxis es donde se halla el significado. El pragmatismo, el fin, el interés es lo que hace que todo concepto cobre sentido. El dinero, la fama. Se busque lo que se busque se encontrará un tipo de cultura.

La utilidad de los conceptos se encuentra en sus formas, en su capacidad para explicar procesos y acción. Porque la cultura nunca está quieta, se mueve, varía, se intensifica y se esconcde. Se comunica entre espectadores, clientes, usuarios, empleados, etc.

Para cambiar una cultura se debe atacar al proceso en la que ella misma se genera. Las vetas de la madera. La cultura existe como comunicación, todo es comunicación, todo es cultura. Sólo que alguna comunicación tiene más relevancia, alguna afecta directamente a las conciencias y otra se quedan en la superficialidad de un mar muerto en el que todo flota y en el que todo parece no tener ningún sentido.

Los hay que definen la cultura por su forma de producción e intercambio y todo lo reducen a industrias culturales.

Los hay que esbozan culturas corporativas y que las exponen una y otra vez. Las representan sin que eso quiera decir que existan de verdad. La alienación sigue siendo la estrategia número uno de las empresas. Y la cultura se dice más fuerte cuanto menos oposición tiene, cuando ya ni se finge.

Con la presentación de un nuevo lector de eBooks, surgen numerosas voces que profetizan el fin del libro o la nueva vía de negocio de los periódicos. Pero, en mi opinión, estos dispositivos son una simplista adaptación de modelos de negocio tradicionales al nuevo escenario tecnológico. Y eso suele terminar en fracaso.

A las industrias culturales les está costando una barbaridad adaptarse a la nueva situación que Internet ha creado y cualquier clavo ardiendo les sirve como asidero. El desconocimiento del medio y la incapacidad para concebir proyectos realmente adaptados a las nuevas circunstancias, son un campo propicio para que triunfen ideas que se basan en la simple traslación de lo analógico a lo digital.

Los datos parecen revelar que las ventas y el uso del eBook aumentan a un ritmo considerable y es curioso como a los medios de comunicación les encanta poner una noticia sobre el tema cada x tiempo. Como si fuese el futuro mismo lo que mostrasen.

Si queremos analizar el planteamiento que hay detrás del eBook, vemos que, primero, es conveniente distinguir entre el propio eBook y el dispositivo que permite su lectura. El primero no es más que la digitalización de un libro originariamente editado en papel. Es decir, un texto digital concebido para leerse de forma lineal, en el que no hay hipertextualidad o interacción del usuario y con una extensión similar a la de un libro o presentación similar a la de un periódico. El segundo sería el lector de libros electrónicos. Es decir, el aparato que permite la lectura de estos eBooks (como, por ejemplo, el Kindle).

Por lo tanto este formato toma las limitaciones del libro y del periódico tradicional para llevarlas a una presentación digital. En consecuencia, como indica Enrique Dans:

No cumple con lo que parece haberse convertido en un interesante y paradójico axioma del periodismo contemporáneo: los periódicos ya no pueden ser periódicos, no pueden estar sometidos a una periodicidad. Deben ser continuos. Los periódicos más exitosos en la red son, en gran medida, aquellos que actualizan sus noticias a mayor velocidad.Esta misma característica impide otro de los atributos (…) convertirse en algo social, en un sitio donde el lector ya no se limita a leer, sino que también participa con sus comentarios, reenvía las noticias a terceros o a filtros sociales, etc.

Si comparamos este dispositivo con los ordenadores portátiles o los propios teléfonos móviles, el lector de libros electrónicos gana en autonomía de la batería (varios días de duración) y comodidad en la lectura, pero pierde justamente en esos aspectos que definen la actual revolución de las comunicaciones.

Detrás del eBook hay una visión que reduce todo a una cuestión de soporte (pasando de lo analógico a lo digital) y piensa que Internet es un sustitutivo directo de los medios tradicionales como la televisión, la radio, la prensa, etc. sin entender que lo que el usuario quiere no es una radio o una televisión, sino contenidos, deconstruyendo la forma de organizarlos y consumirlos.

No es comparable leer un libro o un periódico con navegar por Internet, son cosas diferentes. El problema, lo que hace que sean bienes sustitutivos, es la escasez de tiempo. Si estamos en Internet, no estamos haciendo otras cosas.

Por mucho que se aventure que el fin del libro es el nacimiento del dispositivo eBook, creo que lo que en realidad amenaza al libro es la preferencia por otros tipos de consumos de la información. La rapidez, la navegación a través de enlaces y la interacción es lo que está ganando la partida a los medios tradicionales. Con el tiempo los usuarios de contenidos prefieren otros lenguajes y otras estrategias narrativas y los creadores evolucionan en función de estas preferencias. Es probable que en el futuro una noticia sea algo muy diferente a lo que es hoy en día.

*Imagen de portada de PPL 2A

Els Joglars plantean en La Cena, una sátira al progre y al buenismo. Una nueva religión que, para Albert Boadella, legitima en el poder a los políticamente correctos.Se trata de una obra que se introduce cómicamente en el mundo de la política, pero en la que no es fácil saber qué es lo que se plantea y si se puede considerar, tan sólo, como la crítica a una actitud.

La Cena de Els joglars plantea una crítica a un gobierno “progre” que mientras, en apariencia, defiende fines nobles como evitar el cambio climático, está supeditado a una economía capitalista en el que el mercado es el que, en verdad, marca los designios políticos.

Hasta aquí podríamos estar hablando de una crítica compartida por el anarquismo y hasta por posturas situacionistas. El problema es que ubicar ideológicamente esta obra no es fácil porque es un descarado intento de no proponer absolutamente nada.

En el análisis de cualquier rito siempre debemos observar todo lo contextual que nos pueda dar pistas de cuáles son las consecuencias que tiene de facto. Y esta obra tiene una tremenda habilidad para atacar al movimiento ecologista de tal modo que, la crítica al misticismo que le empapa, pueda tomarse como una crítica al ecologismo mismo.

El cambio climático se plantea como una simple excusa para legitimar moralmente lo políticamente correcto. Al no decir nada más que esto es fácil entender, durante el discurso de La Cena y leyendo el folleto de la misma, que el cambio climático en sí, no es nada más que un supuesto creado con este fin.

Cada vez es más frecuente ver una derecha moderada que basa esta supuesta moderación en ocultar lo que realmente quiere plantear, legitimándose y escondiéndose en lo que sí puede ser una acertada crítica o, cuanto menos, legítima. Por lo tanto es esta obra la primera en enmascararse ideológicamente.

Tenemos que atender a otros factores como que La Cena inaugura la programación de los Teatros Canal, dirigida por el gobierno de Esperanza Aguirre y que, lo que marca la obra por encima de todo lo demás, es la crítica al gobierno socialista y, sobre todo, la ridiculización de su votante. Un personaje con intermitentes gallitos en la voz y caracterizado principalmente por un ejemplar del periódico El País, da continuidad a esta obra cómica que intenta demostrar que, los que no piensen que sea importante la sostenibilidad del planeta, pueden estar tranquilos porque los progres son unos farsantes y unos alienados.

Y es que Boadella hace, además, un salto mortal en el que vincula esta defensa del medio ambiente con gobiernos dictatoriales o una nueva religión que, lo que pretende, es eliminar todo rastro de individualidad. Casi nada…

En cualquier caso, considero que la obra tiene un buen ritmo, excelentes actores y un guión que plantea una crítica acertada pero que exige ir más allá del tosco estereotipo. Ante tanta evidencia, se contextualiza excesivamente en el escenario político actual y, lejos de tratar la complejidad del tema, no hay un intento por esbozar tipos humanos que le den riqueza al planteamiento.

El GIMP es una herramienta de manipulación fotográfica multiplataforma. Permite realizar todo tipo de tareas como: retoque fotográfico, composición y creación de imágenes. Una verdadera alternativa al Photoshop libre y gratuita.

La necesidad de instalarme un programa de edición de imágenes de forma legal y, a poder ser, gratuita me ha llevado a conocer de primera mano el GIMP, un curioso programa GNU que sorprende desde el primer contacto.

No se trata de una copia del Photoshop, como sucede en el caso del Open Oficce respecto al famoso producto de Microsoft, sino que es una apuesta verdaderamente alternativa que, partiendo del planteamiento básico del uso de capas y nomenclaturas similares al programa de Adobe, hace un planteamiento mucho más orientado a trabajos sencillos de transformación de la imagen: recorte, transformación, rotación, etc. Lo que no quita que a un usuario avanzado le cueste encontrar sus límites.

El riesgo de este concepto resulta evidente. Los usuarios de Photoshop se cabrean porque no es igual que éste y los que han utilizado pocos programas más que el Paint o el asistente de su cámara de fotos, lo conciben como un programa excesivamente complejo. Si a esto le sumamos que falta mucho por mejorar en el aspecto visual de la interface, pues nos hacemos una idea de los handicaps del producto. En cualquier caso, no tenemos excusa cuando disponemos de un manual completísimo y en castellano.

Aunque particularmente echo de menos aplicaciones como la automatización de lotes de Photoshop, es verdad que en el día a día, cuando se le coge el punto, es verdaderamente rápido y eficaz.

Sin duda es un programa imprescindible para todos aquellos que no quieran dejarse sus ahorros en la compra del producto de Adobe, usuarios de Linux, amantes de la libertad (no del liberalismo) y desarrolladores en general que tengan ganas de aportar su conocimiento para seguir ampliando las posibilidades de este entrañable software.

Para terminar esta serie de artículos me gustaría hablar de un proyecto que me parece realmente interesante y que representa exactamente la cara opuesta a los modelos que he tratado hasta ahora. Se trata del Laboratorio Alg-a, un centro cultural que se cobijará en dos contenedores de mercancías adaptados por el arquitecto sevillano Santiago Cirugeda.

Si en los anteriores posts (I,II,III) he hablado de proyectos basados principalmente en la creación de continentes espectaculares en los que, en muchos casos, el contenido bien poco aporta al mundo de la cultura, el laboratorio que el colectivo de artistas Alg-a instala en estas fechas en Vigo es un extraordinario ejemplo de un continente pragmático y humilde concebido para convertirse en un espacio de creación, exhibición e interacción cultural de primer orden.

Aunque el uso de los contenedores como vivienda u oficinas ha llamado la atención de los medios de comunicación, su uso, a día de hoy, sigue siendo mucho más minoritario de lo que debiera. El hecho de ser un continente fácilmente reciclable para distintos usos, el mínimo impacto que provoca en el espacio y su innovador carácter nómada convierte a estos habitáculos en una propuesta de arquitectura lógica y sostenible.

Quizás sean la humildad y su poca espectacularidad las razones por las que el poder político no apueste por este tipo de alternativas y se mantenga mucho más interesado por grandes construcciones de arquitectos estrella.

Siguiendo esta tendencia el Alg-a Lab no ha contado, desde mi punto de vista, con el apoyo que debiera de las instituciones públicas para realizar este proyecto, que parte de una acertada concepción de la creación cultural, basándose en la idea de que cada vez es más necesario romper el límite temporal que separa la producción de la exhibición. Talleres y actividades performativas que exploran la comunicación a través del uso de nuevas teconologías son las líneas maestras de este proyecto realmente multidisciplinar e innovador, que propone una concepción transversal del conocimiento y de la creación industrial.

Gracias a una modesta iniciativa privada el Laboratorio Alg-a se ha ubicado en un terreno en las afueras de Vigo y, convertida la necesidad en virtud, resulta sorprendentemente mágico ver las fotografías que los Alg-a van publicando en su renovada web (también sensacional) con los contenedores estacionados en un paisaje típicamente gallego, acompañando a un hórreo y una casa rural abandonada (parecida a las “casas doentes” de Manuel Sendón). Desde aquí desearles toda la suerte del mundo y estoy seguro de que, en muy poco tiempo, el Alg-a Lab se va a convertir en un referente de la creación cultural a todos los niveles.

Además es un excelente ejemplo del carácter del arquitecto/artista Santiago Cirugeda que, una vez más, se enmarca dentro de una tendencia alternativa que constata la posibilidad de implementar una arquitectura racional para desarrollar proyectos de este tipo con todas las garantías.

Continúo este “miniensayo” por entregas sobre continentes y contenidos culturales. Puede que gracias al tiempo transcurrido entre el primer artículo y este tercero, haya variado la percepción que tenía de esta problemática al principio y creo que estoy llegando a conclusiones algo más ricas de lo que, en principio, planteaba. Aunque iban a ser tres capítulos, me guardo un as en la manga para dedicar una cuarta parte al Laboratorio de cultura del colectivo Alg-a, que encaja como anillo al dedo en este tema y merece un post entero.

La disociación entre el continente y el contenido existe cuando lo simulado es opuesto a lo real. El museo espactáculo se erige como el mayor/mejor espacio de cultura, mientras que su contenido pierde proporcionalmente sus cualidades a través de la simulación de su consumo. Sean más o menos relevantes, los productos culturales pierden su complejidad, su contenido, su sentido a través del tipo de relación que el supuesto consumidor mantiene con el objeto “cultural”.

Las institución arte/cultura ha realizado un pacto con las masas que se apoya en un nuevo criterio de supuesta objetividad. En aras de una dudosa profesionalización de la gestión cultural, todo proyecto debe plantearse con objetivos evaluables. Para ello se utilizan criterios de análisis cuantitativos simplistas e importados directamente de la lógica empresarial. El éxito de una propuesta de cultura se mide, hoy en día, en base a entradas vendidas, visitantes, número de impactos en medios de comunicación, rendimientos económicos indirectos, etc.

Ni se expone, ni se contempla, ni se visita, ni se compra arte, sino que se consume su simualción. El museo se convierte en escenario y el visitante es el actor que simula su consumo cultural ante las cámaras del museo (contabilizadoras de visitas) y ante sus propias grabadoras-reproductoras de imágenes que aportan verosimilitud a la ficción.

Pero si entendemos toda esta escenificación como un rito, vemos que además de la simulación, se dan consecuencias que son reales. En primer lugar el visitante del museo construye su paradójica identidad a través del consumo y, en segundo lugar, instituciones políticas, patrocinadores, etc. obtienen réditos cualitativos o simbólicos como organizadores del ritual que se interesan en lo cuantitativo tanto en cuanto inunde a un mayor número de subjetividades con esta mistificación.

Los números tienen una extraordinaria capacidad simuladora. Se obtienen, entienden y ordenan con facilidad y se interpretan desde la sencilla lógica de que el ochenta es mejor que el setenta. Pero estos criterios cuantitativos ocultan las relaciones, los procesos, la tipología de la interacción, la creación de subjetividades, etc. aspectos que son más relevantes tanto para los gestores culturales, como para sus patrocinadores.

Sobre esta simulación se cierne una gran amenaza y una gran oportunidad. La primera, el aburrimiento. La desimplicación del consumidor con la obra (algo ajeno y a escudriñar a través del texto explicativo) se corresponde con la desimplicación de artistas y comisarios con la cultura de masas, sus hábitos, sus contradicciones y sus ambiciones. La mayoría de los artistas contemporáneos crean para el propio circuito del arte y no perciben la oportunidad que están captando artistas como Murakami o McCarthy capaces de dialogar con el espacio expositivo de un modo social y logran enfrentar al nuevo espectador ante un espejo o implicarse dentro de su orden de cosas para caricaturizarlo, criticarlo o alimentarlo. Es de esperara que, de aquí en adelante, cada vez más artistas produzcan tomando como referencia la cultura de masas.

Artículos anteriores:

<< Continente Vs. Contenido (II). El Museo Vacío

<< Continente Vs. Contenido (I). Museos Espectáculo

Imágenes:

 Installation view of © MURAKAMI at The Geffen Contemporary at MOCA, 2007, photo by Brian Forrest, artwork ©Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.

 Exposición de Thomas Struth en el Museo del Prado. Fotografía: Davit

Logo del artículo: Paul McCarthy. Mechanical Pig, 2005. Desde Who killed Bambi?