1) Ivanov y el híbrido simio-humano.
Sí, habéis leído bien. La gran joya de este biólogo ruso parece el guión de una peli de serie B. Vale que antes aportó mucho conocimiento para la mejora en la inseminación artificial de los caballos, pero qué es eso para la historia al lado de semejante delirio megalómano: crear un híbrido entre los humanos y los simios. Absolutamente sugerente, sí señor. No voy a jugar a hacer filosofía de medio pelo (que cada uno le dedique un rato a pensar en los límites de la bioética) porque a mí lo que me da esta historia es mucha risa. Pero no deja de ser espeluznante leer que no solo inseminó a varias chimpancés (chimpancesas?) con esperma humano, fracasando en todos los casos, sino que el muy villano solicitó permiso para inseminar a mujeres  con esperma de orangután. ¡Y se lo dieron! Diferentes circunstancias (como la muerte del unico orangután vivo en Shukumi, emplazamiento del proyecto) impidieron finalmente el desarrollo de tan abyecta empresa, pero aquí es donde nuestra imaginación se derrama en los charcos más vulgares y visualizamos al científico denostado en un lúgrube y clandestino laboratorio secreto llevando a cabo su plan desde el exilio impuesto en Kazajistán (todo el enramado narrativo que nace a partir de aquí también os lo dejo a cada cual; podéis tirar por un rollo Jurassic Park, o incluso poneros más kafkianos, jugad)

2) Orango

El filón dramático de esta movida no escapó a los contemporáneos de nuestro homenajeado, ni tampoco su veta cómica. En 1932, año de la muerte de Ivanov, el escritor Alexei Nikolayevich Tolstoy (no confundir con el gran Leo) y el periodista Alexander Osipovich Starchakov, presentaron a Dimitri Shostakovich un boceto de libreto para una ópera satírica que nunca sería terminada y que no sería descubierta hasta el año 2004 por la musicóloga rusa Olga Digonskaya (seguimos caminando por el lado novelero de la vida real). Se trata de ORANGO (me encanta este nombre), que estrenó la filarmónica de Los Ángeles el pasado 2 de diciembre de 2011, bajo batuta de Esa-Pekka Salonen y dirección escénica de Peter Sellars (por favor, si alguien encuentra imágenes, dvd o similar que nos lo haga llegar).

El libreto, o su borrador, es delirante y no tiene desperdicio, pues el tal Orango, híbrido humano-simio, comienza sus andanzas siendo exhibido como atracción de circo y pasa, bajo el pseudónimo de Jean Or, a convertirse en un magnate del periodismo, corrupto, despiadado y envuelto en toda clase de estafas inmobiliarias y demás lindezas (¿España, nos va sonando el personaje?) Además es anti-comunista, of course, que hay que contextualizarlo todo. Toda su maldad (bueno, y también su incapacidad para conquistar a la humana de sus sueños) acentúan progresivamente su naturaleza simiesca y se descubre el pastel (explota el mono que lleva dentro), por lo que enloquecido, repudiado y despojado de gran parte de sus atributos humanos termina sus días en una jaula del zoo.

La pena es que a Shostakovich solo le dio tiempo a escribir el prólogo, pues andaba liado con la composición de Lady Macbeth de Mtsensk, su obra maestra, pero dejó esbozados unos 35 minutos de música en versión para voz y piano que orquestó el compositor inglés Gerard McBurney y que nos permitió acceder a una obra derivada que parece ser lo bastante próxima al espíritu de Shostakovich, atendiendo a la decisión de Esa-Pekka Salonen de subirla a escena. Aquí la podéis escuchar completa.

(se cierra el telón)

3) Ahora los orangutanes, a escena

Así que, inspirado por el caracter cómico y satírico de esta historia, he optado por remezclar (un poco a lo bruto, con una ligera síntesis cruzada muy de grano gordo en MaxMsp y edición a ojo en Audacity) un fragmento de la música de Shostakovich con el sonido real de orangutanes de Malasia.

¡Subid a escena, hermanos primates! Y cantad esta noble marcha en nombre de toda vuestra extripe, ejecutando por fin vuestra venganza contra Ilya Ivanovich Ivanov, que no logró su objetivo de manchar vuestro inocente linaje con nuestra inmunda genética corrupta y avariciosa.

(aplauso; sube el telón)

4) Simiocracia

La situación actual de nuestro país deja poco margen para la risa, pero nuestro reducto humano más noble es el sentido del humor, y ahora más que nunca la carcajada es un territorio de resitencia y de militancia imprescindible. Me he acordado de la maravillosa peli “Human Nature” del tándem Gondry-Kaufman (aquí la tenéis enterita), y también he descubierto a Oliver, que en los 70 fue considerado el único ejemplar auténtico de humancé (palabro!) Pero prefiero despedirme con el vídeo resumen de un cómic imprescindible de Aleix Saló, que casi todos conoceréis y que, mejor que cualquiera de nuestras posibles elucubraciones narrativas, demuestra que los experimentos de Ilya Ivanovich Ivanov no solo fueron llevados a cabo, no solo llegaron a buen puerto, sino que crearon una extirpe de híbridos simio-humanos que cohabitan con nosotros y que han alcanzado las más altas cotas de poder. Ellos rigen ahora el mundo y en nuestra mano recae la responsabilidad de acabar con su dictadura.

Objetivo 2013: a por ellos.

¡Feliz 2resis13!

PD: mi sobrina de casi dos años le ha pedido a los reyes un mono. Lo juro.

Pinche aquí para ver el vídeo

Este post forma parte de la iniciativa impulsada por
ZEMOS98: “1 de enero de 2013: Celebramos el día del Dominio
Público“. Esta celebración se realiza en otras partes del
mundo y quiere hacerse algunas preguntas: ¿Conocemos el
funcionamiento y los mecanismos que nos impiden acceder a obras que
forman parte de nuestro subsuelo cognitivo? ¿Cómo reclamamos el acceso a
ellas si tenemos instituciones más preocupadas por poner restricciones
que por darnos acceso? ¿Cómo nos organizamos para rescatar, de manera
ciudadana, lo que esconden nuestros códigos fuente comunitarios? Te
invitamos a seguir pensando juntas sobre este y otros temas. ¡Celebra el
día de Dominio Público! Hasta el 31 de enero mantenemos un repositorio
abierto por aquí

Brangäne
(Escuchando con atención)
Aún están cerca,
los sonidos llegan claramente.

***

Obertura:

Ayer jueves 19 de septiembre padres, madres, alumnos y profesores volvimos, por enésima vez, a ocupar las calles de Madrid para gritar contra el deterioro de la educación pública, no ya sólo en la Comunidad de Madrid como el año pasado hicimos otras tantas veces, sino ahora ejecutado de manera orquestada en todo el territorio nacional. Una vez más la marea verde invadió el ya tópico recorrido de Neptuno a Sevilla/Sol, en una procesión laica e indignada, alegre y triste a la vez, cantando consignas cargadas de rabia e impotencia, pero a menudo con un agudo sentido del humor, siempre síntoma de inteligencia.

La experiencia del curso pasado fue extrema e intensa (12 jornadas de huelga, encierros, asambleas, etc.). En ella se gestó una respuesta contundente y emocionante por parte de los profesores, que quedó simbolizada por unas inofensivas camisetas verdes y en la que se desafió no sólo a la administración educativa, sino también a unos sindicatos aún con el paso cambiado y que no supieron recoger aquel increíble impulso, ni asumir como propias las nuevas metodologías organizativas aprendidas del movimiento 15M. Todos los que participamos de aquel momento mágico fuimos testigos de una vivencia irrepetible que, por más que mi visión de optimista patológico se empeñe en mantener viva en la memoria, fue desgastándose poco a poco, a fuerza de silencio administrativo, amenazas y represalias indiscriminadas y, el más destructivo de los venenos, un sordo y silencioso desencanto que acabo por calar hasta en los más motivados.

La disyuntiva de este curso se hacía preocupante; los motivos de todas nuestras movilizaciones, lejos de haber mejorado se han acentuado hasta extremos insoportables y, como ya he dicho, se han extendido al resto de comunidades y amenazan con asentarse definitivamente en forma de Ley Orgánica. Pero muy lejos parece quedar ya aquella ilusión, aquel impulso del que ya he hablado, y el curso ha comenzado con una aparente sensación mediática de normalidad.

***

Acto I

Un día antes de esa manifestación, tuvimos una asamblea/almuerzo/encuentro en mi nuevo instituto (he sido desplazado de mi destino definitivo, como otros casi 600 profesores funcionarios de la Comunidad de Madrid, fruto de una falta de previsión brutal en la asignación de cupos de los centros, consecuencia a su vez del aumento de ratio generada por un afán de austeridad mal entendida, injusta, ideológica y mal gestionada). Me costó decidirme a quedarme a aquella asamblea, fundamentalmente por pudor (llevo un mes escaso allí) y, por qué no reconocerlo, anestesiado en cierto modo por ese desánimo narcótico que generan el cansancio y la sensación de derrota. Pero fruto de una decisión de última hora decidí quedarme y fue sin duda la mejor de las opciones que pude elegir. La dinámica de la asamblea quizás no tuviera el ímpetu de las del año pasado, ni tampoco su ingenuidad redentora, ni su incertidumbre ni su esperanza transformadoras, pero frente a esas carencias encontré un ánimo realmente positivo, una especie de madurez de la resistencia, una suerte de empeño por no rendirse, por no callar del todo, por no resignarse. Escuché las propuestas de mis nuevos compañeros y comprobé que esta profesión sigue estando poblada por personas cargadas de AMOR. Sí, amor hacia su trabajo y hacia los beneficiarios del mismo. Leí a un pedagogo decir que el niño sólo puede aprender de alguien a quien quiere; añadiría que un profesor sólo puede enseñar a alguien a quien quiere. Y percibí también un profundo amor y un sentimiento de orgullo hacia el propio sistema público, destinado a un sector de la población que LO NECESITA, como único garante real de la igualdad social de clases; y necesita que ese sistema ofrezca un servicio de calidad, con instalaciones y recursos fruto de la inversión más  inteligente y ética que una sociedad puede realizar.

Que este instituto se llame IES Ágora no deja de ser una hermosa y acertada metáfora.

***

Acto II

Compruebo a estas alturas que el libreto de este post ha tomado un camino muy diferente del que me había impulsado a sentarme a escribir en mi nada prolífico blog. Como en las óperas de Wagner, la cosa parece que se está alargando un poco.

Como venía diciendo en la obertura, ayer en la manifestación caminé junto a miles de personas hacia el Ministerio de Educación con varias certezas en mi cabeza, pero con no pocas contradicciones. Tras la toma permanente de la calle por parte los que no podemos comulgar con lo que está pasando no paro de preguntarme una y otra vez ¿para qué? Me cuestiono la vigencia del hecho de manifestarse, o al menos en la forma en la que lo seguimos haciendo. Acciones como #rodeaelcongreso han dado un nuevo impulso a la presencia de las masas disconformes en la calle, y eso es al menos esperanzador. Pero al leer las entrevistas a los detenidos por las acciones del 29S, y aunque generan en mí un enorme sentimiento de indignación que me impulsa a la acción, reconozco a la vez una extraña y preocupante sensación de “insignificancia histórica”. Sentirme (sentirnos) una partícula más en el transcurso de los acontecimientos, sentir que una y otra y otra vez nuestras procesiones urbanas son sólo parte del paisaje sociopolítico, anécdotas que el poder tolera y consiente (aunque ahora pretendan ‘modular’) y que alguien comenta mientras sigue tomando su taza de café tras la ventana con doble acristalamiento o que, como en Sábado de Ian McEwan, los manifestantes somos tan sólo una escenografía en 3D, que no dudarán en retratar los publicistas ni las portadas de los dominicales en esa especie de piropo buenista que nos regala condescendiente esta democracia de utilería.

***

Acto III

Hace unos meses, cuando vi Melancholia, me juré y perjuré que escribiría un post sobre la película, que me impactó profundamente y que generó en mi una serie de reflexiones que ahora, con tanta distancia, me cuesta reconstruir con cohrenecia. Pero hoy encuentro la oportunidad de redimir aquella traición a través del (hermoso hasta el extremo) prólogo de Tristan e Isolda de Wagner que enlazo más abajo,  pues tanto la asamblea de hace dos días como la manifestación de ayer, han traído a mi memoria una escena de dicha ópera, cuya música servía de omnipresente y poderoso sustento a la película de Lars Von Trier.

En la ópera, y al comienzo del segundo acto, Isolda y su doncella Brangäne quedan junto a la hoguera mientras el Rey Marke y su corte salen de caza nocturna, acompañados del estruendoso sonido de los cuernos de caza. Ambas esperan a que la comitiva esté lo suficientemente lejos como para que Tristán pueda acudir a un encuentro amoroso secreto sin riesgo de ser descubierto. En ese momento, Isolda, impaciente y bajo los efectos de la pócima de amor que ha desatado la pasión inaudita entre ambos, deja de escuchar los cuernos de caza mientras que Bragäne, sobria y dotada de lucidez, le informa de que las trompas siguen sonando aún próximas. Pero Isolda ya no las oye, sólo escucha el crepitar del fuego, el rumor del agua y el susurro del bosque.

El AMOR ha implementado en ella un filtro sonoro que silencia el amenazante ruido de los cuernos de caza, símbolo de todo lo que la oprime, y potencia las frecuencias de los débiles sonidos de la noche, anticipo del amado que está al llegar.

Isolda
(Escuchando con atención)
El miedo preocupado
extravía tu oído.
Lo que te engaña es el sonido
susurrante del follaje,
que el viento mueve riendo.

Brangäne
Lo que a ti te engaña
es tu violento deseo
de oír lo que anhelas,
(Escucha con atención)
Oigo el sonido de las trompas.

Isolda
(Volviendo a escuchar con atención)
No es el sonido de las trompas
lo que suena de un modo tan hermoso.
El agua que de la fuente
suavemente fluye
es lo que causa ese murmullo delicioso.
¿Cómo iba yo a oír ese murmullo
si las trompas siguieran sonando?
La fuente es lo único que me sonríe
en el silencio de la noche.
A quien me aguarda impaciente
en la noche silenciosa,
¿quieres retenerlo lejos de mí,
como si aún sonasen las trompas?

***

Epílogo

Y es ese mismo filtro sonoro el que ha operado en mí estos días, cuyo descubrimiento me ha empujado a compartir estas reflexiones. He conseguido no oír el atronador rugido de la prensa, la ensordecedora fanfarria de amenazas que descienden desde las cumbres europeas, desde los consejos de administración y de ministros, desde la horrible realidad que no niego, que no quiero obviar, pero que, gracias a ese mismo filtro, he conseguido silenciar por unos días. Y he escuchado en cambio el delicado sonido de los ánimos renovados, las carcajadas de la gente de a pie, que se niega a dejarse invadir por el miedo y la desidia, el esperanzador rumor de las iniciativas imaginativas y el orgullo nunca perdido. Sé que este filtro es efímero, pero quizás podamos entrenar nuestros oídos y nuestra escucha (ya sabéis, escuchar es oír pensando), y aprender a enfocar voluntariamente nuestros tímpanos, como hizo Isolda sin querer aquella noche de amor, para extraer y magnificar el sonido de lo hermoso y lo pequeño de entre la fatídica basura acústica que nos envuelve. Quizás ese filtro sea el arma que nos ayude a ganarles la batalla.

Pues a ellos, símbolo de lo que nos oprime, como Isolda, yo ya no los oigo, de lo lejos que están.

*

Pinche aquí para ver el vídeo

Vaya de antemano mi agradecimiento a los alumnos y alumnas que dieron vida al proyecto, que lo dotaron de verdad y significado. Desde la distancia y el tiempo que nos separa de los que entonces éramos, os lanzo mi más sincero abrazo, pues una vez más recibí una lección que aun no he olvidado: en las aulas aprendo mucho más de lo que puedo ofrecer como docente. Así mismo agradezco extempóreamente el apoyo de mis compañeras del IES El Arenal, especialmente el de Cristina Mondéjar, entonces Jefa de Estudios, cómplice del proyecto en un contexto no siempre favorable. Y también al equipo de ZEMOS98 (gracias a Felipe y Juan) por su apoyo técnico y logístico en la elaboración de este post, último eslabón que cierra, tantos años después, el proyecto D.N.I.

1// introducción:

La presencia de la música en el currículo de la enseñanza secundaria adquirió con la implantación de la LOGSE una importancia sin precedentes en la historia de los sistemas pedagógicos de nuestro país. Atrás quedaba la casi “anecdótica” presencia de la materia en el primer curso de BUP, que durante años contribuyó a gestar una deficiente cultura musical de generaciones y generaciones en España y en Andalucía. Gracias a dicha dignificación de la materia (al menos hasta el curso escolar en que se desarrolló el presente proyecto educativo), con su presencia obligatoria en los tres primeros cursos de la etapa y la presencia optativa en el cuarto, hace que, en unos años, hayamos pasado a encontrar jóvenes de nuestra comunidad autónoma que han recibido conocimientos de dicha actividad artística durante tres o cuatro cursos escolares completos, corrigiéndose pues ese estigma social que es la incultura musical.

El mundo contemporáneo ha contemplado con sorpresa la llegada de una nueva era, la era audiovisual, que ha llenado las vidas cotidianas de nuestro alumnado de impulsos sensitivos de un poder inimaginable. La omnipresencia de la televisión, los sistemas de reproducción mp3, los teléfonos móviles y, sobre todo, de los ordenadores e internet en el día a día de los adolescentes es una realidad que no podemos sino asimilar en el sistema educativo, si no queremos que se abra una brecha comunicativa insalvable entre ellos y nosotros. El audiovisual es su entorno comunicativo natural, y es desde allí desde donde nos aseguramos una probabilidad mayor de que nuestra aventura educativa termine en éxito. Ahora bien, no debemos perder de vista que nuestros alumnos y alumnas están en un período de desarrollo altamente sensible a la manipulación, y que es precisamente el mundo audiovisual el que el mercado utiliza como vía de entrada para fomentar en ellos y ellas prácticas de abuso audiovisual. No es de extrañar, pues, que el acceso casi universal al mercado audiovisual a través de internet lleve consigo un fenómeno de dispersión y de consumo indiscriminado del producto audiovisual.

Partiendo pues de estas dos premisas, nace la idea de acercar al alumnado a un ámbito, el del arte sonoro y la instalación, que, como lenguajes artísticos contemporáneos, les permitieran ser parte activa del proceso creativo desde una práctica significativa a través de unas herramientas cercanas  (el ordenador, fundamentalmente), para conocer así parte de las nuevas disciplinas de vanguardia que, desgraciadamente, se encuentran relegadas a foros minoritarios de información. Y todo esto a partir del concepto de ARTE como la suma de un PROCESO y de su RESULTADO; proceso que además adquirirá una dimensión INDIVIDUAL -íntima, personal- y una dimensión COLECTIVA -grupal, comunitaria-, y cuyo resultado, en forma de objetos sensibles -la instalación sonora- les permitirá establecer un proceso comunicativo con el resto del centro educativo (profesorado, madres y padres, resto del alumnado, pas) que, a partir de su experiencia estética como espectadores de la obra, cerrarán el círculo mágico de este lenguaje misterioso al que llamamos ARTE.

Pero en el caso de la creación artística las preguntas ¿cómo? y ¿qué? aparecen indisolublemente formuladas; es decir, si vamos a implicar al alumnado en un proceso de creación artística debemos tener muy claro que, para que aprendan la técnica creativa, el proceso formal de creación, el CÓMO LO VOY A DECIR, es preciso que, previamente, tengan muy claro el contenido conceptual del proceso, el mensaje motor del impulso creativo, el QUÉ VOY A DECIR. Y es a partir de esta pregunta donde nace la otra gran aventura de esta experiencia.

Y es que, partiendo de una total participación y una implicación generalizada, los alumnos y alumnas de 4º de la ESO con que emprendimos el proyecto decidieron que querían hablar de sí mismos, de su IDENTIDAD, una identidad colectiva como ADOLESCENTES, miembros de un mismo grupo (4º ESO A), de un mismo centro escolar (IES El Arenal), ciudadanos de una misma ciudad (Dos Hermanas, Sevilla), pero también con el ímpetu de sentirse SERES IRREPETIBLES, chicas y chicos ÚNICOS, de distinta procedencia y edad, de distintos barrios de la ciudad, con gustos e intereses dispares, con existencias singulares.

Así fue como, aquello que sólo pretendía ser una actividad más dentro del currículo de la asignatura de música, en un curso crucial, como es 4º de ESO, el último de esta etapa educativa, terminó por convertirse en una INTENSA EXPERIENCIA VITAL INOLVIDABLE. Y no tanto para los alumnos y alumnas de aquel grupo (aunque en cierto modo sí que lo fue, según dieron testimonio en las evaluaciones posteriores) sino, fundamentalmente, para mí como docente y como miembro del proyecto D.N.I. (documentando nuestra identidad).

Era el momento de comenzar el viaje.

2// descripción del proyecto:

2.a) introducción teórico-prácticas en el aula

Se comenzó el curso propiciando un acercamiento a determinados conceptos teórico-prácticos que aportaran al alumnado el andamiaje teórico y conceptual sobre el que construir su aprendizaje, fundamentalmente en el ámbito del arte contemporáneo y de las vanguardias estéticas, a través de ejemplos prácticos e interdisciplinares (obras pictóricas de Picasso y Bacon; obras musicales y happenings de John Cage; video-creaciones y video-danza, piezas de net-art, etc.)

2.b) visita a la I MASE (I muestra de arte sonoro) en Córdoba

En Octubre de 2006, coincidiendo con el inicio del curso escolar se celebró en Córdoba la I Muestra de Arte Sonoro Español, organizada por el Festival de Creación Internacional Sensxperiment, bajo el comisariado de José Iges. Con tal motivo se reunieron los principales creadores de dicha disciplina, y se organizaron sendas exposiciones en diferentes espacios de la ciudad. Teníamos, pues, una oportunidad única de conocer in situ la situación actual de la materia a nivel nacional.

VÍDEO 1: arte_sonoro (10’38’’)

Pinche aquí para ver el vídeo

2.c) visita a la biacs 2 (2ª bienal de arte contemporáneo de sevilla)

En Noviembre de 2007, así mismo, se realizó la visita a la II bienal de arte contemporáneo de Sevilla, biacs2, LO DESACOJEDOR: escenas fantasma en la sociedad global, convirtiéndose en una nueva ocasión para acercarse a lo último en creación contemporánea, en este caso a escala internacional. Dicha visita se acompañó de una reflexión crítica acerca de las políticas culturales locales, y se estableció en clase un intenso debate acerca de la idoneidad de estos macro eventos frente a proyectos más horizontales y de mayor accesibilidad y calado social (Un grupo de alumnos insistía en plantear que si se trataba de una bienal, por qué no duraba dos años)

VÍDEO 2: bienal (8’30’’)

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2.d) Fase de creación y exposición

2.d.i) fase de creación

a) Concepción del proyecto: presentación de proyectos individuales y colectivos (grupos pequeños). Elección del tema común por consenso: LA IDENTIDAD.

b) Elaboración del proyecto unificado (planos de la instalación, materiales, presupuestos)

c) Creación de obras musicales electroacústicas, a partir de grabaciones hechas en clase de canciones que recordaran de la infancia (memoria sonora personal) y re-elaboración de las mismas en piezas electroacústicas  a través del programa AUDACITY (ciertos parámetros fueron previamente pautados, como la forma musical, la duración, las técnicas de procesado del sonido, etc. )

d) Creación y montaje de la instalación sonora. Contextualización en el espacio (site-specific). Creación de itinerarios sonoros y su relación con la dimensión plástica del proyecto.

2.d.ii) fase de exposición

a) Campaña de promoción previa.

b) Elaboración del programa de mano de la exposición. Planificación de las visitas guiadas llevadas a cabo por el propio alumnado. Invitación a alumnos/as, familias y personal del IES.

c) Inauguración y visitas guiadas. Happening/Juego con el alumnado de 1º ESO.

[EN EL SIGUIENTE ENLACE PODÉIS ACCEDER A TODO EL MATERIAL GRÁFICO ELABORADO: CARTELES, FICHAS PARA EL HAPPENING/JUEGO, PROGRAMA DE MANO, INVITACIONES, ETC.] DNI_TODO

2.d.ii) fase de evaluación y documentación

a) Evaluación y autoevaluación del alumnado

b) Montaje y presentación del video

VÍDEO 3: D.N.I. (documentando nuestra identidad) (39’29”)

Pinche aquí para ver el vídeo

Tsvetáieva por Mr Mm en Mixcloud

A ti, dentro de un siglo
Марина Ивaновна Цветaева (1892-1941)

A ti, que nacerás dentro de un siglo,
cuando yo haya dejado de respirar,
de las entrañas mismas de un condenado a muerte,
con mi mano te escribo.

¡Amigo, no me busques! ¡Los tiempos han cambiado
y ya no me recuerdan ni los viejos!
¡No alcanzo con la boca las aguas del Leteo!
Extiendo las dos manos.

**

Marina Tsvetáieva + google translator + audacity + dimitry shostakovich + remix + youtube + audio hijack pro + procomún + poesía + dominio público + copylove + much more music in 2012

Esta es mi contribución a la celebración del día del Dominio Público en la
blogosfera de ZEMOS98, hemos querido programar un post porque hoy, 1 de
enero, entran al Dominio Público en España la obra de multitud de
autores y autoras de diversos tipos. Con estos post colectivos hacemos
nuestra pequeña fiesta particular al mismo tiempo que reivindicamos el
acceso a la cultura como derecho fundamental.

+++++++++++++++++++++++++
querido amigo:
llevo días reflexionando sobre el proceso creativo. Leyendo a Tolstoi siento que los sabios lo son por algo, y Tolstoi, escritor apasionado y atormentado, pedagogo y cristiano, terminó por encontrar la senda de la felicidad a través de una constante infelicidad. El impulso de la ansiedad que nos empuja hacia algo diferente.
Yo ya había decidido que la obra que me encuentro componiendo ahora, un trío con piano, estaría encabezada por esta cita de Tolsoti:

“Para vivir honradamente es necesario desgarrarse,
luchar, equivocarse, empezar y abandonar,
y de nuevo empezar y de nuevo abandonar,
y luchar eternamente y sufrir privaciones.
La tranquilidad es una bajeza moral”

(los músicos que toquen mi pieza leerán esta cita, y tal vez me reprochen a mi y a Tolstoi ese radical final, ese inquisitivo recordatorio de nuestra cobardía…la tranquilidad es una bajeza moral…)

*

Buscando el consejo de otro sabio, Beethoven, me encuentro con su “trio con piano op.70 nº1“, apodado “fantasma” y me sumerjo en su sabiduría sin palabras; intento descifrar sin ayuda de nadie el por qué de ese misterioso encabezamiento (en alemán, Geister trio)… fantasma, ¿qué fantasma? . ¿el propio fantasma?, me digo.

Y buscando ayuda de otro sabio más (wikipedia) me encuentro con que Beckett creó entre 1975 y 1977 una pieza para televisión de igual nombre “ghost trio” inspirada en fragmentos del trio de Beethoven, una pieza más allá de la tv (bastante feota, todo sea dicho) en que se deconstruye el trio de Beethoven (su sonido) y se reubica en un contexto misterioso en el que los fragmentos del trío (samples) aparecen transformados y casi creando una dramaturgia propia (postdramática, of course), insertados en una estructura preaction-action-reaction de lo más sugerente. una voz femenina, mal grabada, mal reproducida, casi indescifrable, nos describe la escena en la que, como en casi todo beckett, lo que pasa es que casi no pasa nada.

*

Ahora tengo que escribir mi propio trio con piano (violín, cello, piano), una formación clásica (s.XVIII) que se ha convertido en un estandar (casi todos los compositores han escrito trios) y que tiene un peso histórico y una connotación de la que cuesta escapar como compositor (¿qué puedo ofrecer yo que no se haya escrito ya?)
Se supone que quiero hablar de ese desgarro del que habla Tolstoi, quiero usar también sonidos del dubstep de Burial (mi tercer sabio, que durante mucho tiempo fue invisible, como un fantasma; cerrando el trío de letras B: B de Beethoven, B de Beckett, B de Burial) pero no cuento con la ayuda de la electróncia, solo tres instrumentos con cerca de tres siglos de antigüedad.

La obra de Beckett, hasta casi el final del proceso, tuvo otro nombre: “tryst“, cita, encuentro, que finalmente fue sustituido por el de ghost trio.
the tryst, decidido, es el título que pienso usar. Porque es exactamente lo que voy a hacer. Una cita, un encuentro entre fantasmas.
(encima tryst suena a triste, y a trio)

*
PD:
Dos días después de escribir este texto, leo en su correspondecia (publicada por el acantilado) que Tolstoi escuchó el 1 de Enero de 1857 el Trío Op.70 nº1, es decir, el trío fantasma, y quedó fascinado por su belleza. De este modo descubro que The Tryst, la cita, que estoy fraguando con mi obra, había comenzado a ser escrita hace 155 años, cuando ni Beckett, ni Burial, ni yo -supuesto anfitrión- habíamos sido invitados pues, entre otras cosas, no existíamos aún.

+

GRABACIÓN DEL ESTRENO (18 Enero 2011; CSMA Zaragoza)

The Tryst (2010) by Fran MM Cabeza de Vaca

Esta es la historia de un estudiante de medicina de 27 años que decide dejar Granada e irse a Madrid a estudiar Cine. Hasta aquí todo puede parecer más o menos normal, pero lo curioso de esta historia es que sucedió en  1962 (en medio de lo más gris de la España franquista) y que ese joven era mi padre, Rafael Martínez Sierra. De este modo,  en la recién bautizada como Escuela Oficial de Cinematografía (hasta entonces Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas) estuvo mi padre un año cursando la especialidad de Dirección (entre sus profesores, por ejemplo, Berlanga; entre sus compañeros, Olea, Borau o Miró). Año que, durante mucho tiempo después, ha sido evocado en las conversaciones familiares pues, aunque finalmente optó por su pasión investigadora hasta hacerse Catedrático en Farmacología, la influencia del cine fue y sigue siendo crucial en su (nuestra) vida.

02. plano secuencia. interior. tarde.

09/11/2010. Madrid. ca. 17h. Tras una extraña siesta (de esas demasiado largas) me levanto con una idea clarísima en la cabeza que, seguramente (no lo recuerdo), proviniese del mismo sueño  del que aún estaba escapando: – Ya tengo regalo de Navidad para mi padre: Voy a encontrar sus trabajos en la escuela de cine. Así, decidido, dispuesto, me lancé al ordenador que también reposaba a mi lado y comencé mi investigación. Yo no recordaba en qué año estudió mi padre, ni cuánto tiempo; ni siquiera recordaba dónde. Y no se lo podía preguntar, pues debía de ser  una sorpresa. Así que comencé a googlear un poco a tientas, hasta que llegué a la web de la ECAM, en cuya sección de historia encontré la pista de la EOC.

Comencé a escribir un confuso mail al Gerente de la ECAM, en el que no conseguía aclarar muy bien lo que buscaba, ni siquiera sabía dar fechas, ni siquiera sabía si había algo que buscar… La euforia post siesta comenzaba a remitir, dando paso a ese momento que ocurre en tantas ocasiones en la vida en que uno empieza a verle las costuras a la realidad, y de repente todo son problemas y dudas, sobre todo dudas; qué tontería, cómo va conservarse algo, de esto hace casi 50 años! Pf, bah, paso. Delete, delete. Descartar borrador. Apago el ordenador. Fin de la película.

03. Lo importante.

Ahora que toda la historia ha pasado vuelvo la vista atrás y lo veo claro. Se acerca lo importante: el momento crucial en el que todo cambia.

Voy al baño, me lavo la cara. Voy a la cocina. Me preparo algo, un té, creo. Y vuelvo al baño. Me miro al espejo y (ahora, sí, plano detalle a los ojos) me encuentro frente a frente con una pregunta que popularizó Manuela Trasobares: ¿Y per qué no? ¿Por qué no intentarlo?

Parecerá ingenuo mi relato en este punto, convirtiendo en épico algo tan sencillo, tan común y cotidiano como un diálogo interior, como la toma de una decisión sencilla. Pero ahora que empieza el año, ahora que hago balance del 2010 y que el 2011 se presenta ante mi como un misterioso libro por abrir, me visualizo tomando esa determinación “VOY A INTENTARLO” y me gusta. Y me juro a mi mismo que me lo voy a repetir cada vez que dude, cada vez que me rinda. Hacer las cosas ES intentarlo.

04. secuencia de acción en estilo epistolar.

Enciendo mi ordenador con una nueva euforia: la de la decisión tomada. ¿Al Gerente? No, voy a escribirle al Director de la ECAM, Fernando Méndez-Leite. Al ataque:

“Estimado Sr. Méndez-Leite: Me dirijo a vd. con la esperanza de que pueda ayudarme en la búsqueda que acabo de iniciar y que le expongo brevemente a continuación.  Mi padre, D. Rafael Martínez Sierra (que en la actualidad tiene 75 años), estudió durante algunos años la especialidad de Dirección en la antigua Escuela Oficial de Cinematografía, formando parte de una de sus promociones (aunque creo que no se tituló finalmente, debió de cursar estudios entre 1962 y 1965, aproximadamente). Él recuerda, a menudo y con bastante exactitud, anécdotas y experiencias de aquellos años de formación y, a pesar de que su carrera profesional se alejó del cine, siempre ha mantenido un recuerdo vivo de dicha experiencia. Cita como compañero de estudios, entre otros, a Pedro Olea.
La cuestión es que en los últimos años ha entrado en un proceso bastante rápido e irreversible de pérdida de visión debido a una degeneración macular asociada a la edad (DMAE) y esto me ha empujado a iniciar una búsqueda que llevo años postergando y que quisiera que fuera más rápida que el fastidioso proceso que afecta a mi padre. Y es que me gustaría recuperar, acceder o simplemente saber si existen aún los trabajos (cortometrajes y mediometrajes) que me consta que realizaron los alumnos de dicha especialidad en aquel organismo, la E.O.C., predecesor según leo en la reseña histórica de la web, del organismo que vd. dirige y donde, según tengo entendido, usted también estudió. Debo aclarar que realizo dicha búsqueda sin su conocimiento, con idea de sorprenderle en caso lograr el objetivo. Agradecería cualquier información que me coloque sobre la pista de dicho material, que confío haya sido conservado y que espero poder encontrar con la celeridad que las circustancias explicadas más arriba imponen.

Reciba un cordial saludo, agradezco de antemano su colaboración. Francisco Mateo Martínez Cabeza de Vaca”

Reconcozco que al darle a ‘enviar’ tuve un nuevo ataque de inseguridad y visualicé mi mail en una bandeja de correo no deseado en mitad de la nada, pero el paso estaba dado y no había vuelta atrás. Tal es así, que A LA MAÑANA SIGUIENTE!!, el Sr. Méndez-Leite ya me había respondido a mi demanda:

“Querido amigo, efectivamente las prácticas rodadas en la EOC – al menos en su mayoría – están conservadas en Filmoteca Española, por lo que debería dirigirse usted a esta entidad y contactar con María García Barquero para localizarlas.  Es cierto que yo también estudié en la EOC, pero no coincidí con su padre, que espero se encuentre mejor de sus dolencias.

Un afectuoso saludo y quedo a su disposición. Fernando Méndez-Leite”

JA! La historia empezaba a fluir. Ahora sólo quedaba cruzar los dedos y confiar en que entre esas “prácticas rodadas en la EOC” hubiera algún material firmado por mi padre. Escribí inmediatamente a la responsable de la Filmoteca Nacional citada por el Sr. Méndez-Leite, y de nuevo (yo no sé qué tendrá ese momento de darle al botón de ‘enviar’) pensé que mi investigación acababa ahí. Mais non! De nuevo con una celeridad inaudita, sólo unas horas más tarde recibí respuesta de la Sra. Gª Barquero.

“Estimado señor: Tomamos nota de su consulta. En unos días le ofreceremos información sobre la existencia de materiales de las prácticas en la EOC de su padre y la posibilidad, en caso afirmativo, de facilitarle un duplicado.

Atentamente, María García Barquero. Jefe del Servicio de Cooperación. Filmoteca Española”

Arrrggg!! Estaba cada vez más cerca, pero aún no había nada. Contención, era el espíritu. Ese “en unos días” me sonaba al famoso “ya le llamaremos”, eufemismo de “hasta luego, Lucas”. Pero la rueda estaba girando ya, no había vuelta atrás. Y al día siguiente, al no encotrar respuesta, me lo volví a repetir; y el segundo día de espera, y el tercero, cuando ya casi me había convencido de que lo importante era participar, que ya daba igual, que había sido bonito mientras duró. Hasta que el cuarto día me encontré este mail.

]]> http://blogs.zemos98.org/mrmm/2011/01/05/cinema-verite/feed/ 10 http://blogs.zemos98.org/mrmm/2009/04/06/remix-04-remezclarmandoop/ http://blogs.zemos98.org/mrmm/2009/04/06/remix-04-remezclarmandoop/#comments Mon, 06 Apr 2009 18:22:41 +0000 admin

Con un retraso considerable aquí llega el post sobre la emisión anterior de “ruido blanco en la cabeza de una vaca”, el rincón electroacústico de Radioactivos, el Podcast de ZEMOS98.

01. PERSONAS EN LOOP

Hace ya algunos años, mi amigo abrelatas me regaló un libro llamado así, Personas en Loop, ensayos sobre cultura pop, de Dietrich Diederichsen. En él se reúnen artículos y reflexiones en torno al concepto de loop en el ámbito de la cultura popular. Algún tiempo más tarde, y por mi cumpleaños, él y preescolar me regalaron una LOOPSTATION una sencilla pedalera para generar loops musicales en texturas aditivas.

El concepto de BUCLE aparece ligado a la música electrónica popular casi desde su origen, pero más allá de los bucles de beats, de líneas de bajo o incluso de los riffs de guitarra de gran parte del rock y del pop, repensar el loop como elemento compositivo y/o como material sonoro se ha convertido en uno de mis intereses.

El Loop puede ser un territorio de investigación inmenso pero, así mismo, puede convertirse en un callejón sin salida y, por lo tanto, en una prisión creativa.

02. DELEUZE / ARNOLD / BERNHARD

Algunos meses antes, el compositor José Mª Sánchez-Verdú, tras haber revisado la partitura de mi primer (y único hasta la fecha) cuarteto de cuerda “El cristal y la llama (seis propuestas para cuarteto de cuerda)” me recomendó que profundizara en el concepto de repetición en la música, pues pensaba que mi música podría desarrollarse de manera cómoda en ese escenario. Aún siendo escaso mi interés por el minimalismo, profundicé en la música de Steve Reich. Con mayor alcance intelectual y estético, escuché y analicé algunas partituras de Morton Feldman, otro de los autores que más lejos había llevado las prácticas repetitivas en la música desde una perspectiva no minimalista.

Pero un cambio sustancial ha llegado con el descubrimiento de la terna de personajes que cito en el encabezado, gracias a Alberto C. Bernal, mi profe de Max-msp.

Ya cité en el post anterior el libro “Différence et répétition” de Guilles Deleuze. Con la dificultad que conlleva leer filosofía de este nivel, avanzo despacio en la lectura de un ensayo interesantísimo y revelador sobre los conceptos indicados en el título. A pesar de lo complejo del lenguaje empleado, Deleuze desciende de vez en cuando al terreno de lo concreto para desarrollar sus teorías y razonamientos, lo que me permite no desistir en mi empeño de leerme el libro completo.

Absolutamente revelador fue pues conocer al cineasta austríaco Martin Arnold y su uso creativo del loop visual y sonoro, además de ser un ejemplo perfecto de conceptos tan del gusto de la comunidad ZEMOS98 como son la remezcla y el apropiacionismo. Un par de ejemplos de su trabajo:

De modo similar, el compositor Bernhard Lang ha profundizado en el concepto de Repetición, convirtiéndolo en su principal preocupación estética y en el principal raíl de sus técnicas compositivas tanto instrumentales como electroacústicas. Todavía no he tenido oportunidad de escuchar mucho de él (estoy en ello), pero su obra “Differenz/Wiederholung 2″ (Diferencia y repetición 2, ¿os suena?) me tiene absolutamente atrapado desde hace unos meses (la plantilla está formada por ensemble, voces, electrónica, guitarra y violín eléctricos e incluso un rapero).

Para que os hagáis una idea, ésto es lo mejor que he encontrado online (aunque no es un ejemplo de lo que más me gusta de su música, pero se percibe claramente el uso de loops en la técnica compositiva instrumental y vocal)

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03. TÉCNICA ARNOLD PARA ARMANDO GOLDBERG.

Bien, pues siguiendo el método de relectura en bucles que Arnold aplica en la imagen, Alberto nos invitó a trabajar del mismo modo con el audio. De inmediato me acordé de Armando Goldberg, la anterior versión de la cadena de remezclas que nos ocupa en la sección, y éste es el patch de Max-msp utilizado:

Aquí tenéis el patch en funcionamiento:

Y aquí el resultado sonoro final:

Distorsión y Variación juntos en la nueva remezcla de MrMM en “Ruido blanco en la cabeza de una vaca”, la micro-sección electroacústica de Radioactivos, el podcast de ZEMOS98.

Prviously in RBCV: El archivo fuente de esta cadena de remezclas nació hace tres eslabones como trasunto sonoro de Armando Zaplana, un ente colectivo nacido en un evento de bloggers de toda España. Acabó encerrado en una máquina controlada por el Azar, agitada entre loops y ruidismo, inocente e ingenuo, sin sospechar la terrible tortura a la que, de manera indefectible, se vería sometido esta semana.

01.Aria:

La distorsión

es tan real

como mi amor por ti.

Iván Ferreiro

Una de mis canciones favoritas de Las siete y media, el breve e intenso disco de Iván Ferreiro, se llama precisamente así: La distorsión, un concepto inmenso y polisémico que extiende sus garras semánticas a campos tan dispares como la comunicación, el sonido, la imagen, la información o la percepción (¿tan dispares he dicho?). ¿Qué es la distorsión? ¿Qué está distorsionado y qué no lo está?

En el ámbito de la música electrónica, la distorsión es un procedimiento de tratamiento del sonido muy sencillo, fundamental y muy extendido, tanto en su vertiente más académica (la electroacústica acusmática) como en la más comercial (los pedales de las guitarras eléctricas). Y consiste (al menos en algunos de los procesos de distorsión más básica, como la distorsión lineal o la wave shapping) en aumentar la intensidad de salida de la señal más allá de la capacidad de emisión de un sistema, por lo que la onda sonora se deforma.

Es interesante señalar dos cuestiones al respecto: 1) deformaciones leves en la onda producen un efecto de distorsión relativamente transparente, es decir, que se conserva en cierta medida la naturaleza original de la onda, de modo que el sonido fuente “sigue ahí”; pero en niveles de intensidad mayores, la deformación de la onda es tal que el sonido generado (aparece más y más ruido) es radicalmente diferente al original. ¿Podemos pues considerar la distorsión como uno más de los procesos de síntesis? Sería una interesante discusión. 2) La distorsión lleva inherente en su proceso una pérdida de información (toda aquella que excede los límites del sistema), lo cual da pie también a un interesante debate en torno a esas otras acepciones del término relativas, por ejemplo, a la información (es lo grave de la distorsión informativa: la pérdida de información)

No se si Iván Ferreiro utiliza el término distorsión como lo hemos definido para el sonido, pero de ser así sería una terrible y hermosa manera de describir su amor enfermizo: es tan intenso mi amor que excede los límites del sistema (¿mi corazón?), deformándolo y generando algo diferente, inarmónico, cargado de ruido y que, por el camino, ha perdido casi toda su esencia.

02. Variaciones

La (nano)cadena de (mini)remezclas que estamos realizando en este experimento de 60’’ forma parte de un rizoma cuyo tallo principal conecta las multipantallas de DJ Spooky con la metamúsica de Alfred Schnitke y un sinfín de propuestas históricas que llegan, nada más y manda menos, hasta el scriptorium de las bibliotecas de los monasterios medievales de media Europa, es decir, al nacimiento mismo de la notación musical occidental. En ellos, los copistas sobreescribian a modo de palimpsesto las melodías que otro copista arregló, adaptando de este modo a la idiosincrasia vocal de su monasterio un grupo inmenso de melodías que no pertencían a nadie y, a la vez, les pertenecían a todos (procomún); no son melodías Anónimas, como se afirma en todos lados: son Creaciones Colectivas (CC).

El Renacimiento musical asiste a un auténtico boom de la remezcla: la técnica compositiva conocida como cantus firmus colocaba aquéllas melodías gregorianas en un novedoso contexto polifónico, otorgándoles una magnitud absolutamente grandiosa y nueva, pero conservando en ellas la esencia de aquél, su germen melódico. Y en una fabulosa e irreverente vuelta de tuerca de los valerosos compositores, la técnica conocida como de parodia hacía lo mismo pero tomando como materia a remezclar canciones profanas, que eran insertadas en un contexto sacro (el Concilio de Trento ya se encargará de frenar esta práctica sacrílega, jijiji).

Pero es una forma instrumental la que tiene en el concepto de remezcla su esencia y fundamento: Tema y Variaciones. El compositor presenta un tema de partida y construye con su ingenio y su astucia técnica cuantas variaciones quiere, modificando bien su melodía, bien su ritmo, a veces su armonía, su carácter. Y lo hace estirando el concepto de variación hasta un límite invisible, el que hace que el tema original, el tema remezclado, conserve de manera subyacente algo de su esencia: las variaciones son el Tema y no lo son. En la España del Renacimiento, esta forma musical adquiere un nombre que a mi me gusta más y es el de Diferencias.

(lo que estamos haciendo con ArmandoZaplana.aif es eso: Diferencias elctroacústicas de 60’’)

Siguiendo esta estructura formal, y creada años más tarde en pleno Barroco europeo, es compuesta una de las obras más emocionantes (siempre bajo mi prisma, of course) de la historia de la música: Las Variaciones Goldberg BWV 988 de Johann Sebastian Bach, una colección de 30 variaciones (remixes) en torno a un Aria deliciosa de tres minutos que, una vez recorridos los 50 minutos (aprox) que duran dichas diferencias, reaparece (bajo la inscripción Aria da Capo) para recordarnos que lo que estamos escuchando, a pesar de ser la misma partitura que escuchamos al principio, ya no es nunca más la misma música. Un ejercicio estético (en su sentido filosófico) sobre la memoria, la percepción y, citando a Deleuze, sobre la Diferencia y la repetición.

03. Aria da Capo

El Aria dura tres minutos. Troceando en tres partes y superponiendo dichos fragmentos en otras tantas pistas de Audacity nos quedamos con los 60’’ que sirven de formato a nuestra propuesta. Utilizamos la archiconocida versión para piano de 1981 de Glenn Gould

El archivo .aif con la versión de la edición anterior ha sido sometido a un proceso de distorsión (objeto overdrive), es decir, hemos aumentado su amplitud hasta que la onda quede deformada, modulando después su volumen de salida para hacerlo aceptable a la emisión/audición.

Aquí tenéis el patch de Max/Msp:

Y aquí tenéis el resultado sonoro:

PREVIOUSLY ON MRMM:

En el estreno de “ruido blanco en la cabeza de una vaca” (en adelante rbcv) escuchamos una composición original a partir de la voz de MrMM leyendo la frase “YO SOY ARMANDO ZAPLANA”, experimento colectivo auspiciado por ZEMOS98 en el evento blog 08; dicha frase fue grabada separada en sílabas con Audacity y secuenciada con REASON, dando un efecto de multiplicidad, apoyando la naturaleza conceptual del personaje: Todxs somos Armando Zaplana.

EPISODE 02:

ARMANDO Y EL AZAR [A.Z._REMIX01]

Escena 1

LA TRAICIÓN: PURE DATA vs. MAX-MSP

Angélica Liddell fue la dramaturga revelación del año pasado al saltar en unos meses de ser una auténtica outsider anti-sitema a ser reconocida y multi-premiada desde los estamentos teatrales oficiales; este cambio de status alcanzó su momento de esplendor en Noviembre de 2007 con su presencia en el Centro Dramático Nacional con la pieza “Perro Muerto en Tintorería: Los Fuertes”, una bomba al cerebro y al corazón de 3h ininterrumpidas de la que aún me estoy recuperando. En ella, Angélica Liddell emplea la primera media hora para justificar su presencia en un Teatro Nacional, ella que denosta y aborrece las instituciones. Aquel intenso primer acto se llamó “Acto de coprolalia. Justificación de una hija de puta” y en él, de un modo innecesario para algunos y genial para otros (yo), intenta aclarar su presencia en el vórtice de su enemigo natural.

Pues bien: COMIENZO

(MRMM, sale a escena con la cara pixelada y su voz aparece distorsionada para no ser reconocido)

 Señoras, Señores, ME HE PASADO DE PURE DATA A MAX-MSP

(murmullos)

… Sí, y déjenme que me explique…

(silencio)

Todo comenzó mucho tiempo atrás, en los 80’s, cuando Miller Puckette comenzó a desarrollar en el IRCAM el entorno de programación Max-Msp, una aplicación destinada al tratamiento en tiempo real de audio (fundamentalmente) y vídeo, y que abría la puerta a tratamientos de audio que han condicionado de manera sustancial la trayectoria de la música electroacústica desde entonces.

(silencio y espectación)

Años después, en los 90’s, se autoriza la venta del programa, pasando pues a ser software bajo licencia comercial (actualmente en manos de cycling74, empresa de Zicarelli, uno de los co-desarrolladores del invento). Puckette entonces rompe relaciones con el IRCAM y, en justa venganza, lanza la versión libre y gratuita del Max-msp, llamada Pure Data. Este programa es, desde entonces, motivo de devoción de toda la comunidad “freeware friendly”, así como de los hacktivistas y otras especies alter-net-ivas.

(el público se inquieta…qué pesado se está poniendo…¿hacia dónde va?)

En definitiva

(alivio en butacas)

Dada la influencia del IRCAM en el devenir de la composición contemporánea y tras unos años de perseverancia autodidacta, azuzada por un ambiente aveces hostil, militando en Pure Data, he optado por apuntarme a un curso de Max-Msp (asombro generalizado) con Alberto Bernal (joven compositor muy versado en la materia) y trabajar en dicho entorno de programación para aprender. No sé si he llegado a Max para quedarme, o si con los conocimientos de éste podré regresar a Pure Data, mi lugar natural, mi terruño emocional, pero mientras tanto voy a trabajar con la cabeza bien alta y, asumiendo mis contradicciones ante ustedes y, sobre todo, ante mí mismo.

Yo, como Angélica Liddell, CONFIESO y con ello, dejo el campo despejado para no tratar más este tema.

ERA SÓLO ESO

(telón)

(silencio; el público abandona el patio de butacas con aire de indiferencia; un espectador sale del recinto dando saltitos de rana mientras susurra “puckette, puckette…” ¿?)

Escena 2

TRES MOTORES (TODOS LOS AZARES, EL AZAR)

Para esta pieza hemos creado un sencillo “patch” en el programa max-mspformado por tres motores básicos simultáneos e interconectados.

ES ÉSTE:

Un motor (la columna de la derecha, con botones verde-play y rojo-stop) lanza la muestra “armando zaplana.aiff”, emitida en la anterior edición de rbcv, pero la reproducción se realiza modificando su valor de velocidad de emisión de manera aleatoria (valores entre 0.1 y 3).

De manera simultánea, otros dos motores (las dos columnas, central e izq, clones entre sí) reproducen sendos samples de tres segundos a modo de loops, lanzados a velocidades cambiantes de manera igualmente aleatoria.

Cuando la muestra del primer motor termina de ser reproducida, lanza unaseñal a los otros dos motores (a través de los cables que viajan por la parte superior de la imagen), de modo que detiene los cambios aleatoriosde velocidad en los loops, quedando fija así la velocidad de repetición deambos bucles sonoros en ese momento concreto (por eso, al final de la pieza, se escucha claramente la naturaleza repetitiva de dicha reproducción)

Como ya he dicho, los tres motores son aleatorios (utilizan sendos objetos”random”), asi que CADA NUEVA REPRODUCCIÓN ES DIFERENTE E IRREPETIBLE.

Un sencillo dispositivo de grabación (parte inferior de la imagen, “record”) nos permite guardar dichas versiones; de las cuatro diferentes registradas, presento la que más me gusta.

Es ésta:

(telón)

FIN DEL EPISODE 02 DE RBCV

“ruido blanco en la cabeza de una vaca” es la nueva sección de MrMM en Radiactivos, el podcast de zemos98. Con una periodicidad quincenal, un breve mugido electroacústico se colará entre las secciones del programa; no hay hoja de ruta, no hay estilo ni objetivo ni criterio formal previo. Sólo una premisa, la duración: 60 segundos.

“miedo, angustia, suspense, terror, violencia, desagradable, hospital, persecución, pesadilla, interés, ruido, ruido, televisión rota, ruido…”

Éstos son algunos de los tags que, según mis alumnos de 4º de ESO, se podrían asignar a la pieza sonora de Ryoji Ikeda “One Minute”, excelente miniatura electrónica que cierra el primer volumen de la serie de discos editados por SubRosa “Anthology of Noise & Electronic Music”. Caras de susto y manos tapando los oídos fue su respuesta gestual a la audición.

Tras un par de semanas revisando las aventuras y desventuras del ruido en la historia de la música de los siglos XX y XXI, nos lanzamos al experimeto de emular a Ikeda y propuse a mis alumnos que crearan piezas de 1’ de duración utilizando exclusivamente sonidos sintetizados por el ordenador, es decir, piezas puramente electrónicas. Para ello dedicamos un par de clases a profundizar en la herramienta a utilizar, elAudacity, probablemente el mejor y más extendido editor/secuenciador de audio del territorio freeware (y me atrevería a decir que mejor que muchos del panorama comercial). Las premisas eran sencillas: una estructura formal obligatoria (binaria, ternaria o rondó), presencia obligada de determinados objetos sonoros (tonos afinados vs. ruido blanco, tonos DTMF, uso del panorama estéreo, etc…) y los 60’’ de duración ya citados.

Los resultados fueron gratamente sorprendentes (ya os mostraré algunas muestras para que opinéis). Al escuchar en clase sus obras, la mayoría eran capaces de hacer el análisis auditivo de las piezas, detectaban la forma y los componentes sonoros.

Al final volvimos a escuchar la pieza de Ikeda y a los tags de carácter evocativo y subjetivo (“miedo, hospital, angustia, suspense…”) se añadieron otros de carácter objetivo y analítico (“ruido blanco, tonos agudos, contraste…”) y, lo más importante, algunos (una minoría, of course) acabaron afirmando que esa pieza LES GUSTABA. Eso sí, la mayoría cambiaron su cara de susto, pues poco les sorprendía ya tras escuchar las 15 piezas de sus compañeros de clase.

***

Llevo tiempo queriendo colaborar con Radiactivos, haciendo así extensible al podcast mi fructífera colaboración habitual con zemos98. El pasado mes de Noviembre hacía su aparición en escena Armando Zaplana y con él una llamada a la remezcla. Mi aportación al juego fue esta pieza de 1’, idónea para inaugurar la sección.

Quizás haya cambios en la idea de la sección, incluso en el nombre, pero la vaca anda suelta, y, al menos, ha comenzado a mugir.